Plan de Estudios
Grado en Composición Musical + Diplomatura en Creación de Contenido Digital

Introducción a las técnicas y procedimientos de composición a lo largo de la historia, desde la monodia a la rearmonización tonal y modal. Ejercicios de armonía tonal, modal y no funcional. Desarrollo paulatino de un lenguaje compositivo y una personalidad musical propia.

Introducción a los conceptos, práctica y técnica instrumental del piano entendido como herramienta para la composición y el análisis, los arreglos y la comprensión general de la música. Preparación de un repertorio poliestilístico, alternando con la improvisación aplicada, por medio de ejercicios diversos y el estudio de un repertorio instrumental adecuado.

Comprensión de compases y figuras irregulares básicas. Trabajo de entonación interválica, transcripción e improvisación. Técnicas, ejercicios y otros conocimientos para el oído para la ejecución, composición, análisis.

Profundización en la comprensión e interpretación al piano de los distintos elementos que conforman la música tonal por medio de ejercicios diversos y el estudio de un repertorio instrumental adecuado.

Funcionamiento de cada uno de los instrumentos que componen la orquesta sinfónica. Composición y adaptación de la música para cada uno de los instrumentos de la orquesta, conociendo y aprovechando las posibilidades técnicas, tímbricas y armónicas de cada uno.

Estudio de técnicas, ejercicios y otros conocimientos para desarrollar el oído en su utilización en la actividad musical (ejecución, composición, análisis). Procesos de escucha y conexión oído interno-externo a través de la voz: notas de la tonalidad mayor y menor natural y sensibilizaciones. Ritmo y tipos de compases. Figuras rítmicas regulares, dosillos y tresillos.

Estudio de las posibilidades técnicas y de las características acústicas y tímbricas de los instrumentos que componen la orquesta sinfónica: cuerda, viento madera, viento metal, percusión, cuerda pulsada y tecla. Introducción a las librerías de sonido y trabajo con sonido digital.

Uso avanzado del editor de partituras Sibelius. Aprendizaje de herramientas, edición de notas, ajustes automáticos y personalizados, documentos xml, midi, pdf, aiff/wav y vídeo a partir de proyectos propios. Escritura para instrumentos; escritura para grupos de cámara y creación de diversos materiales didácticos.

Sonorización y acústica básica. Uso de herramientas clave: microfonía, planificación y producción de plantillas; la cadena de audio, mesas de mezclas, diseño sonoro, integración de sistemas MIDI, automatización de mezclas y sincronía del sonido con la imagen.

Elaboración y presentación de un dossier de marca: análisis de contenido, estrategia y posicionamiento en redes sociales, público objetivo, competencia y otros elementos relevantes para la construcción de una imagen de marca. Diseño de una contrapropuesta de marca desde una perspectiva audiovisual: introducción a sistemas de grabación y conceptos básicos de iluminación.

Composición de formas musicales en diferentes estilos históricos. Control de la notación musical y técnicas propias. Conocimiento de los principales recursos armónicos aplicados: formación de escalas y acordes, sintácticos y morfológicos utilizados en la armonía tonal y modal.

Producción de un proyecto: planteamiento, equipo y presupuesto, distribución y gestión. Composición: propuesta personal, técnicas compositivas, estructura y contenido. Personalidad y creatividad: influencias, técnicas intertextuales, originalidad grupal. Defensa de la obra: reflexión y análisis sobre el discurso musical, dicción y argumentación, edición musical avanzada.

Comprensión de la incidencia cultural en la creación artística. Identificación de las corrientes más representativas desde la Edad Media hasta la actualidad. Sistemas de creación; estructura; ritmo y procesos de creación no occidentales; evolución armónica y conexión con la música contemporánea.

Armonía tonal: progresiones modulantes básicas, modulaciones, acordes aumentados. Armonía modal: primeros pasos, funcionalidad armónica libre, libertad acordal, tensiones y resoluciones. Repertorio y lectura a vista: técnicas de lectura a primera vista de dificultad media, acompañamiento de voz, improvisación.

Puesta en práctica de los elementos más complejos del lenguaje musical, y posterior ejecución por medio del cuerpo y la voz. Amalgamas, polirritmias, dominantes secundarios, modulación y dictados modales, partiendo de los materiales asimilados en Educación del oído I.

Reconocimiento y aplicación de las técnicas orquestales específicas (acústicas, tímbricas, idiomáticas) para las diferentes texturas musicales e instrumentación. Técnicas de interpretación y decisiones musicales, maquetas midi y análisis de los distintos métodos orquestales.

Marco jurídico y legal relacionado con la creación y producción de obras musicales en España. Derechos de propiedad intelectual, industrial, de imagen, gestión colectiva, explotación de obras y otras prestaciones musicales.

Preparación para el examen oficial "TOEIC Listening and Reading Test". Aprendizaje en grupos según nivel de competencia lingüística. Adquisición de estrategias y tácticas para afrontar las dos secciones que componen este tipo de examen (listening y reading).
Posibilidad de convalidación de esta asignatura si se está en posesión de algún título reconocido por la Universidad Rey Juan Carlos (URJC) que acredite las competencias de nivel B1 o superior en inglés.

Procesos y producción colectiva e interdisciplinar de un proyecto propio tomando conciencia de las herramientas expresivas y de la capacidad creativa y de diálogo con otras ramas artísticas. Unidad y responsabilidad en equipo, valores éticos, libertad creativa y autorreflexión.

Creación fotográfica y visual para portadas, carteles y proyectos artísticos.
Escritura y desarrollo de una pieza de carácter fotográfico que incluya elementos visuales como tipografía o ilustración para el desarrollo de un cartel publicitario que sirva como portada de disco, cartel de presentación de obra escénica o flyer de una exposición artística.

Armonía, ritmo escrito vs. percepción rítmica, sistemas avanzados de escritura rítmica. Melodías no vocales, la melodía como textura. Forma y estructura: nuevos conceptos de discurso formal, la textura y el timbre como forma. Técnicas compositivas y notación de los siglos XX y XXI (I), nuevas tecnologías. Creatividad: escritura libre avanzada, personalidad y técnica.

Composición de piezas musicales complejas (5-7 minutos) para un conjunto de cámara medio/amplio. Creación de un proyecto y su viabilidad de producción. Composición de formas musicales complejas. Experimentación con nuevas formas de creación y técnicas instrumentales no convencionales. Nuevas tecnologías como medio expresivo. Proceso de ensayo de una obra.

Korngold y el posromanticismo audiovisual. Cine mudo: recursos dramáticos, acompañamiento y realce de la escena. Percusión y técnicas extendidas como efecto. Textura e imagen: Ligeti y Kubrick, la textura y el vacío como tensión, técnicas de creación de espacio a través de la música. Teatro y cine experimental. Neosinfonismo: recreaciones históricas, poema sinfónico y relación con el audiovisual, Wagner, John Williams.

Armonía tonal: progresiones modulantes, armonía cromática, acordes disminuidos, modulaciones enarmónicas. Armonía modal: Debussy y Satie, jazz fusión, dominantes por extensión, flamenco y bimodalidad. Acordes y su ampliación: acordes por cuartas y quintas, acordes paralelos, poliacordes, bloques sonoros, digitaciones. Repertorio y lectura a vista.

Audición y ejecución de músicas con alto cromatismo tonal y bimodalidad, el lenguaje musical de inicios del XX y del Renacimiento, composición de compases y ritmos complejos y el uso de todas las claves en la polifonía de hasta 4 voces.

Tradición y modernidad: nuevos usos tonales, melodía, textura, neorromanticismo, posminimalismo, fusión, minimalismo místico, música orquestal, postespectralismo. Técnicas extendidas: ruido como función, instrumentos descontextualizados, gesto instrumental como motivo, silencio y música. Música popular y vanguardia. New discipline: el cuerpo como instrumento, teatro y música.

Origen de la música popular urbana. Jazz y su desarrollo (I): historia, blues, vertientes, bebop, cool jazz, John Coltrane, estructuras musicales. Rock y su desarrollo (I): orígenes, rock&roll, hard rock, punk, heavy metal, estructuras armónicas y formales. Flamenco (I): historia y orígenes, palos, desarrollo, estructuras armónicas básicas. Música electrónica: historia, vertientes, estructuras, procesos texturales.

Técnicas: tutti, elementos primarios, secundarios y terciarios en la orquesta. Texturas: orquestación de una melodía, tipos de mezcla instrumental, técnicas orquestales. Forma: estructura de una pieza en relación a sus cambios orquestales, masa y timbre como forma. Reducción y transcripción. Nuevos medios: técnicas orquestales contemporáneas.

Historia y tipos de grabación: analógico vs. digital, técnicas de grabación, fases de producción discográfica multipista, estudio Pro vs. Home studio, equipamientos específicos, previos de micrófono, hardware. Estudio de grabación: multipista (planificación y preproducción), mezcla (procesadores de dinámica, efectos de tiempo y de modulación), bounce y mastering (conceptos básicos de masterización).

Realización de un vídeo publicitario para RR.SS.: reel, Instagram story o TikTok.
Producción publicitaria adaptada a las redes sociales: papel del/de la influencer, planificación de campañas y análisis de sectores clave. Creación de contenidos: redacción y organización de ideas, manejo de herramientas de edición y postproducción. Desarrollo de conceptos: estrategia, creatividad, redacción y storytelling en la era digital.

Estilo y composición: música textural, la orquesta como instrumento, técnicas compositivas y sistemas de notación de los siglos XX y XXI. Creatividad y personalidad: forma libre y desarrollo original.

Composición de piezas musicales complejas (10-12 minutos) para un conjunto de cámara amplio y orquesta, vinculadas al mundo audiovisual. Planteamiento y desarrollo del proyecto. Defensa y ensayo de la obra.

El leitmotiv y caracterización musical de los personajes: orquestación, motivos, textura como elemento dramático, armonía como personaje. Electrónica y orquesta sinfónica: fusión de sonoridades, ampliación de la orquestación.

Relaciones entre estilos hacia la fusión. Intertexto e hipertexto en la música popular urbana. Construcción y estructuras. Jazz (II): free jazz, jazz fusión, hard bop, acid jazz. Rock (II): rock progresivo, rock sinfónico, power metal, trash y evolución, virtuosismo como objetivo, power chords. Flamenco (II): fusión, Paco de Lucía y Camarón, Enrique Morente, Mauricio Sotelo. Hip hop: cultura rap, expansión y fusión, trap, reggaeton y representación de lo latino en el mainstream.

Funcionamiento y negocio de la industria musical. Técnicas de emprendimiento: iniciativa empresarial, plan estratégico y definición de oportunidades de negocio. Metodología para la elaboración del plan de negocio.

Integración en una serie de empresas vinculadas al sector musical en las que el alumnado entrará en contacto real, asumiendo diversas responsabilidades y tareas con el modo operativo de dichas empresas.

Obtención de créditos académicos atendiendo a la participación del alumnado de titulaciones de Grado en actividades universitarias artísticas, culturales o de representación estudiantil, con el fin de completar su desarrollo curricular con actividades no vinculadas estrictamente con la titulación.

Realización de un estudio inédito y original en el que se desarrollen contenidos, capacidades, competencias y habilidades adquiridas a lo largo del Grado bajo la supervisión y orientación de un/a tutor/a.

Desarrollo de imagen de marca y posicionamiento personal en RR.SS.
Creación y gestión de la imagen profesional. Establecimiento de la identidad propia y posicionamiento en redes sociales. Aprendizaje de estrategias de inbound marketing, análisis DAFO personal y manejo de herramientas audiovisuales para la autopromoción y desarrollo de marca personal.