Plan de Estudios
Grado en Artes Escénicas e Interpretación Audiovisual

Trabajo actoral desde la relajación y con un firme sentido de la atención. Improvisación, imaginación y observación como herramientas fundamentales de la técnica actoral. Técnicas de creación de estados psicofísicos y de reacción a estímulos sensoriales. El conflicto, los sucesos y el análisis activo de un texto. La improvisación. Introducción a la creación del personaje. Las relaciones. La palabra.

Introducción a la práctica de la interpretación actoral en el medio audiovisual. Conocimientos básicos teóricos que permitan extraer los elementos necesarios para analizar un guion de cara a su interpretación actoral. Técnica básica y nociones de trabajo frente a la cámara en los distintos planos.

Metodología que favorecerá una formación eminentemente práctica en la que los alumnos pondrán en
marcha diferentes propuestas escénicas desde su primer año en el grado. Los proyectos tendrán una
visión global progresiva en lo que respecta a dificultad y duración, tanto a nivel técnico, como de
contenidos.

Comunicación oral. Improvisación con la voz y el movimiento. Conexión con las imágenes del texto a través de la palabra hablada. Uso del instrumento actoral en la transmisión del texto. La voz y el espacio escénico.

Aspectos anatómicos y fisiológicos de la voz. Conciencia corporal y respiratoria. Hábitos vocales saludables. Conocimientos musicales necesarios para desenvolverse con seguridad. Comprensión y seguimiento de una partitura con solvencia. Gestión de la capacidad auditiva, rítmica y de afinación.

Elementos y técnicas para vincular el movimiento expresivo con las
herramientas interpretativas: principios del movimiento (equilibrio, propiocepción y coordinación); calidades del movimiento; segmentación y combinación, asociación y disociación de movimientos; interpretación gestual objetiva y abstracta; expresividad física para plasmar imágenes o estados psicofísicos; trabajo de elenco; enfoque colaborativo.

Aproximación a las herramientas técnicas de diferentes estilos dancísticos, con la intención de integrar
estos recursos en la práctica actoral, fundamentalmente para el correcto uso de los principales métodos
actorales: el cuerpo y la voz. Ritmo, composición espacial, improvisación, creación y ejecución de piezas
coreográficas breves que buscan ser integradas adecuadamente en un contexto escenográfico.

Profundización en la lengua española mediante la lectura y análisis gramático, artístico y literario de
textos dramáticos significativos dentro de la historia. Introducción al estudio de la literatura dramática
desde sus orígenes hasta el momento actual.

Recorrido por la evolución de las Artes Escénicas, desde la Antigüedad hasta nuestros días, teniendo
siempre en cuenta los tiempos y las sociedades que generaron dicho desarrollo. Estudio de los
principales componentes de este género: texto, escenografía, puesta en escena, autores; todo ello
considerando el contexto histórico, social y cultural.

Hitos destacados de la historia del cine: pre-cine (pioneros y primeras narrativas fílmicas), cine europeo (vanguardias, expresionismo alemán, cine soviético), cine mudo en Hollywood, cine de preguerra en Europa, neorrealismo italiano, encuentros de Salamanca y nuevo cine español, nouvelle vague y renovación de producciones norteamericanas.

Laboratorio de creación y producción colectiva. Toma de conciencia de las herramientas expresivas propias de cada disciplina artística y capacidad para crear y dialogar entre las diferentes disciplinas. Gestión de un proyecto de creación propia hasta su culminación.

Conocimiento básico de hardware, software e internet aplicados a las necesidades de las/os profesionales de las artes escénicas. Trabajos ofimáticos en cualquier formato, de forma colaborativa y online, potencial comercial y de marketing de las redes sociales, realización de una página web, montaje de vídeo, resolución de imágenes y vídeos.

Entrenamiento actoral: creación y sistematización de una rutina de entrenamiento que ahonde en los elementos técnicos aprendidos. Trabajo sobre el espacio y el tiempo. Niveles de energía y trabajo de atmósferas. La acción interna: qué pasa y cómo pasa. Trabajo con la expresividad y la forma de una línea de acciones. Conciencia del espacio escénico y soltura en el uso de herramientas dinámicas (ritmo, tempo, velocidad, etc.). Trabajo de estilo y construcción formal del personaje. Introducción al trabajo de elenco.

Profundización en las técnicas realistas básicas aplicadas al audiovisual. El casting. Análisis de guion de comedia y drama. Práctica de escenas de comedia y de drama en cine y televisión. Dinámica de rodaje audiovisual. Visionado y análisis del trabajo propio.

Introducción a la interpretación en estilos/géneros no realistas. Análisis de una obra dramática de carácter no realista. Acercamiento personal a la construcción del personaje. La organicidad. La noción de estilo o forma. Trabajo específico sobre propuestas dramáticas.

Anatomía y fisiología de la voz. Desarrollo de la conciencia psico-física. Aplicación de la técnica vocal y la expresión oral en el trabajo actoral. De la voz a la palabra: el texto. Reflejos anti gravitatorios. Relación cabeza, cuello, tronco. Resonadores. Verso I: relación impulso-frase.

Inspirar y espirar. Emisión y ataque del sonido. Higiene y recursos para la conservación y cura del aparato fonador. Proyección de la voz. Caracterización con la voz. Gesto en la voz. Canto solista, trío vocal y coro. La postura del/de la cantante. La laringe. Aplicación práctica de técnicas del método Voice Craft de Joe Still.

La neutralidad: hábitos físicos individuales y nuevas corporalidades como punto de partida de la esencia física del personaje. La máscara: herramienta de potenciación de la expresión del cuerpo. La máscara larvaria. La composición escénica a partir de herramientas físicas y máscaras. Estilos del movimiento expresivo interpretativo. El espacio del entrenamiento como espacio de creación. Creación de piezas escénicas.

El cuerpo como herramienta del trabajo actoral. Conciencia corporal. Técnicas de danza contemporánea. Desarrollo de la capacidad creativa. Coreografía colectiva "Viewpoints y Atmósferas". Improvisación y danza contemporánea.

Morfología y estudio de las formas: tipos de rostro y elementos básicos. Visajismo y técnica de corrección. Técnica y práctica: operaciones previas; aplicación de productos; tipos de maquillaje (teatro, fotografía, cine y TV); prácticas específicas: cara lavada, fantasía, caracterización histórica.

Obras literario-dramáticas más relevantes de la historia, desde el siglo XVIII hasta nuestros días, asociándolas a movimientos sociales, políticos y artísticos. Principales autores. Análisis y comprensión de los textos y movimientos artísticos.

Uso de herramientas dramáticas aplicadas a la construcción fabular. Construcción de un relato audiovisual utilizando los elementos narrativos propios del guion literario. Adaptación de un texto teatral a un formato audiovisual. Comunicación de una idea desde la creación del logline.

Breve historia efectual de las ideas estéticas: arte y estética; ética y moral; sistemas artísticos; reglas del arte; vanguardias. Teatro/representación: historia de la representación; industria; el mundo como teatro; los caracteres; la retórica. Arte, teatro, público y espectador.

Historia de la interpretación escénica: paradigmas interpretativos, circunstancias sociales y políticas en relación a movimientos estético-expresivos, integración del trabajo actoral propio con las técnicas aportadas por diferentes artistas contemporáneos.

Preparación para el examen oficial TOEIC Listening and Reading Test. Aprendizaje en grupos según nivel de competencia lingüística.

Diferenciación entre lenguaje literario y lenguaje escénico. Aplicación a la escena de elementos técnicos y expresivos de la interpretación. Organicidad y herramientas técnicas. Convención consciente. El trabajo de elenco. La estructura técnico-interpretativa.

Análisis de guiones complejos. Continuidad de las acciones y emociones en rodajes no cronológicos. Aplicación de técnicas de interpretación y de construcción de personajes complejos a distintos géneros y estilos audiovisuales en diferentes entornos de trabajo.

Principales tendencias escénicas del siglo XX hasta la actualidad. Fases de creación de un espectáculo: investigación y creación, análisis de un texto, definición de una propuesta, ensayo, utilería y vestuario, elementos técnicos, ensayos generales y muestra y repetición del trabajo ante un público.

Proceso vocal (fonación). De la palabra al texto. La voz en escena. Verso II: puntuación, pausas, fraseo.

Introducción a la historia del teatro musical. Canto y técnica vocal aplicadas al teatro. La interpretación en el teatro musical. Creación teatral y musical.

Conciencia corporal. La interpretación gestual objetiva y abstracta. Construcción y aplicación: la silueta y el personaje; la figura y la acción dramática; el proceso psicofísico de la acción creativa. La arquitectura física: líneas de trabajo corporal y dominio del gesto. Creación de piezas de lucha escénica y personaje a través del movimiento y el espacio.

Técnicas coreográficas aplicadas al teatro musical. Ballet clásico, jazz, danza moderna, danza contemporánea, danza teatro, danzas étnicas, folclore. Expresividad en la danza.

Texto dramático: análisis y estructura; proceso de evolución de una historia, secuenciación y clímax, género; construcción ficcional. Guion: versiones y tipos; estructura (escaleta y diálogos); desarrollo de un guion propio.

Conocimiento de los elementos básicos de la narrativa audiovisual, de los procedimientos de realización y del proceso de construcción de una película desde el guion hasta la postproducción. Análisis de piezas audiovisuales desde una perspectiva técnica.

Recorrido histórico. Tipos de tecnologías según su campo de aplicación. Proyecto práctico de diseño escénico aplicando tecnologías.

Legislación vigente en materia de propiedad intelectual en relación con las Artes Escénicas y la Interpretación.

Definición e historia de las industrias culturales y creativas. La financiación audiovisual y teatral. Procesos de producción. Canales de exhibición, distribución, giras teatrales. Estrategias de marketing y publicidad. Análisis del sector teatral y audiovisual nacional e internacional.

Trabajo específico sobre una propuesta dramática y/o audiovisual. Abordaje personal de un proyecto de creación escénica y/o audiovisual. Fases de creación de un espectáculo o una pieza audiovisual.

Desarrollo de los conocimientos y técnicas necesarias para identificar y explotar con éxito una oportunidad de negocio a través de la elaboración de un plan de negocio.

Resolución de las situaciones planteadas por la emisión de un programa de televisión en directo o grabado desde los roles de presentador/a, copresentador/a, reportero/a y colaborador/a.

Fundamentos teóricos. Aplicación práctica: preparación, ensayo y escenificación de una escena dramática.

Entrenamiento para enfrentar un take de cualquier género, sincronizando la voz con los labios del personaje.

Desarrollo de un trabajo actoral utilizando los ejercicios de clase como herramientas dramáticas. Composiciones grupales. Objetos. Estilos y su aplicación.

Aprendizaje en empresas, entidades u organismos, de carácter privado o público, con asesoramiento para la búsqueda propia y/o según oferta propuesta, la presentación de solicitudes, la realización de la práctica y la redacción de memoria evaluativa.

Participación en actividades universitarias artísticas, culturales, de representación estudiantil, de cooperación en el ámbito universitario y el emprendimiento artístico con el fin de fomentar la transversalidad y la conexión con las diversas disciplinas artísticas.

Trabajo original, autónomo y personal realizado bajo la orientación de un/a docente, en el que se aplican los conocimientos y capacidades adquiridas durante la titulación. El trabajo será desarrollado, defendido y calificado individualmente, pudiendo ser elaborado en colaboración con otros/as estudiantes cuando el tema elegido así lo aconseje.