Guillermo Navarro

El laberinto del fauno, Jackie Brown, Hellboy 2, Abierto hasta el amanecer… Todos estos grandes éxitos de crítica y público, y muchos más, tienen un denominador común: Guillermo Navarro, su director de fotografía. El fotógrafo mexicano, ganador de un Óscar por El laberinto del fauno, ha compartido sus conocimientos técnicos y varios secretos de su trayectoria con los miembros de la comunidad TAI.

Lo primero que sorprende en Navarro es su precocidad. Su mirada comenzó a ser fotográfica desde la adolescencia. “Empecé a hacer fotografía fija a una edad muy temprana. Con 13 años conformé un pequeño laboratorio en casa de mis padres”, recuerda.

En TAI estamos convencidos de que las artes tienen la capacidad de transformar la sociedad, pero también la vida de quienes sienten la vocación. Navarro es un ejemplo de ello: “Yo sin la fotografía no habría sobrevivido. Me ha acompañado durante toda la vida en mi desarrollo”.

Navarro es un paradigma de la máxima de “aprender haciendo” que nuestra escuela aplica desde sus inicios. “Yo trabajaba haciendo las fotos fijas en un largometraje y allí percibí la increíble complejidad de la fotografía en movimiento”, comenta. “Resolver la ecuación de luz en una cámara que se mueve, con actores que se desplazan es realmente un circo muy complicado de dominar”. Ni corto ni perezoso, la complejidad fue su mayor estímulo: “Dejé a un lado la fotografía fija para intentar comprender esto”.

ANTE LAS DIFICULTADES, PERSEVERANCIA

Guillermo Navarro parece haber seguido al dedillo aquella célebre máxima de Cicerón que apunta que “cuanto mayor es dificultad, mayor es la gloria”. Porque la adversidad se convirtió en su compañera de viaje en sus primeros pasos en México, con la imposibilidad de trabajar en su país de origen. Así que, después de hacerse un hueco en el cine independiente mexicano, “me tuve que ir del país e inicié de nuevo mi carrera de cero desde Los Ángeles”. No le fue nada mal.

La experiencia ha dejado una lección muy nítida en el haber de Navarro. Perseverar y prepararse sin descanso para no dejar pasar la oportunidad. Y así se lo ha contado al alumnado de TAI: “Es fundamental poner mucha atención en el proceso de preparación, porque la oportunidad va a llegar, pero va a haber pocas oportunidades”, aconseja.

Estar en permanente contacto con la práctica de las artes es otra de las claves para la formación. “Tomad muy en serio el desarrollo y toda la práctica que queréis hacer”, recomienda. “Es importante tratar de estar presente en sets donde hay profesionales trabajando y observar”, señala. Con todo, advierte que no es un trabajo fácil, pero merece la pena. “Es un trabajo muy duro, son muchas horas, con mucha presión”.

LA MAESTRÍA TÉCNICA DE GUILLERMO NAVARRO

Navarro ha demostrado a lo largo de su extensa carrera como director de fotografía un dominio técnico y una gran capacidad de aportar soluciones imaginativas que no desentonen con el lenguaje cinematográfico: “Se trata de un lenguaje en sí mismo y tiene sus reglas. Hay una gramática y hay una sinopsis como las que tiene cualquier idioma”, nos ha contado. Y no respetarlas repercute en el producto artístico: “normalmente cuando esas normas se rompen, se hace por ignorancia”, señala. De ahí la importancia de una buena formación

Durante la charla, Guillermo Navarro ha explicado a los jóvenes artistas los principales aspectos técnicos que debe conocer todo profesional de la fotografía cinematográfica. Uno de ellos es el eje: “El cine se filma con una cámara que tiene un solo ojo, que es el objetivo”, explica. “Y en el momento que trabajamos con una sola lente lo estamos haciendo en dos dimensiones”. Es ahí donde resulta muy importante conocerlo todo sobre el eje. “Es fundamental respetar las leyes y el ojo para que tanto el espectador como los actores entiendan su posición en el encuadre y la relación entre ellos”, señala.

Y las dificultades, invisibles para quienes no conocen las claves técnicas del rodaje, son muchas. “Cuando estás filmando una escena en una mesa y hay ocho comensales y existe un diálogo entre ellos, es una pesadilla de eje. Hay que tener en cuenta hacia dónde mira cada intérprete”, explica Guillermo Navarro. “Por lo general, respetar el eje te permite tener un trabajo que tenga más carácter, más calidad”, ha comentado al alumnado de TAI.

EJEMPLOS DE SU TRABAJO

En el trascurso de la charla, los jóvenes artistas han podido contemplar fragmentos de algunos de los principales trabajos como director de fotografía de Guillermo Navarro. Él mismo ha explicado con detalle de qué modo se trabajó en algunas de las escenas más difíciles de rodajes como Hellboy 2 o Jackie Brown.

Navarro explica que es necesario hacer un análisis previo y profundo de la situación y mantener un contacto activo con todo el equipo, especialmente en las escenas de acción. “Hay un trabajo colectivo en la coreografía con el coordinador de los especialistas”, comenta.

“Tiene que saber no solo cómo crear la ilusión de golpes y peleas, sino también cómo esa coreografía puede ser gobernada por los ejes”. La creación de la escena funciona como un puzle para conseguir que tenga la continuidad y la verosimilitud necesaria. “Ha de existir una evolución, observar dónde empieza la pelea y por dónde va. Los pedazos del puzle tienes que empezar a ponerlos en orden, pero no necesariamente se pueden rodar las escenas en orden”, nos explica.

La coordinación entre todos los aspectos del rodaje es fundamental. No se puede dejar ningún detalle al azar. “La solución es que sea atractiva siempre. No se puede estar en una escena de lluvia y entrar en la casa seco. Cuando es una situación de acción si el personaje tiene un corte en la cara, este corte ha de aparecer, aunque ruede el día siguiente”, argumenta.

TALENTO Y VOCACIÓN

La posibilidad de generar nuevos mundos ha estimulado la elección de los trabajos en los que ha participado Guillermo Navarro. “He tratado de elegir películas donde yo puedo crear la realidad”, comenta. “He buscado hacer películas que ocurren en el pasado, en el futuro o en realidades paralelas y muy pocas veces he hecho cintas donde documento la realidad existente”.

En el encuentro con el alumnado de TAI, Guillermo Navarro ha recordado cómo él y su equipo consiguieron desarrollar ese mundo nuevo en Jackie Brown: “Es una película hecha en Los Ángeles a la que dimos un tratamiento completamente distinto”, señala. “Es un Los Ángeles que nadie conoce, que no está en ninguna otra película. La hicimos muy plástica, casi fea, porque esa era la estética que nos interesaba”.

LA VOCACIÓN DEL CREADOR

Guillermo Navarro ha querido destacar la labor creativa del trabajo de director de fotografía, el estímulo que supone crear nuevos mundos. “Una de las razones en que para mí ha sido importante elegir qué películas hago es apostar por películas donde yo puedo crear la realidad”, relata. “Siempre he buscado hacer películas que ocurren en el pasado, en el futuro o en realidades paralelas, y muy pocas veces he hecho películas donde documento la realidad existente”, comenta.

Un ejemplo de esta creación de mundos nuevos se produjo en Jackie Brown. “Es una película hecha en Los Ángeles y conseguimos dar un tratamiento completamente distinto a la ciudad, mostrar un Los Ángeles que nadie conoce, que no está en ninguna otra película”, indica. Lo importante es que la fotografía genere el entorno ideal para la película que se quiere contar. “La hicimos muy plástica, casi fea, porque la estética está en eso”.

LOS CAMBIOS EN LA ERA DIGITAL

El director de fotografía de El espinazo del diablo ha trabajado en casi 50 películas, de las cuales solo en cuatro fueron hechas en digital. Para Guillermo Navarro, lo fundamental es respetar la condición de autor del artista. Es algo inexcusable: “Cuando el fotógrafo trabajaba en fílmico había un nivel de conocimiento necesario para poder exponer e imprimir con luz el negativo”, nos explica. “Eso no ocurre en digital”.

Se trata de una forma de trabajar, de una experiencia distinta. “El riesgo de esto es un poco el fenómeno del iPhone”, alerta. “Tomas la foto y el dispositivo decide todos los balances, te genera una foto que es correcta, muy buena. Pero lo hace él, tú solo puedes decidir cómo encuadrar”, indica.

Para Guillermo Navarro, la imagen debe ser siempre producto de las decisiones y el trabajo del artista. “Hay toda una discusión de cómo la tecnología ha habilitado la ignorancia; ahora todo el mundo es un experto, todo el mundo sabe”, señala. Y Navarro pide rebelarse ante esto: “Sois vosotros quienes tenéis que elegir las cosas y los que debéis vigilar que el resultado del trabajo llegue a buen puerto”.

Porque el arte no existe sin el autor. “La cámara es la que hace la foto, la cámara ofrece los ingredientes para que tú cocines la imagen. Y esto es fundamental que lo entendáis, porque si no caemos en la deriva de que la cámara es quien manda. Y eso va en contra de los principios de lo que somos como artistas y profesionales”, expresa.

La fotografía es un arte y los/as creadores deben defender sus creaciones. La tecnología ha de estar en función de su talento, no al revés. Esta idea subyace en el discurso de Guillermo Navarro. Su trayectoria y sus éxitos son la mejor forma de convencernos de su argumento.