Plan de Estudios
Diplomatura en Animación 3D

Conceptos básicos de modelado 3D: vértices, aristas, caras, polígonos, mallas, etc. Introducción a Autodesk Maya: interfaz, herramientas, menús, ventanas, etc. Creación de formas básicas. Herramientas de modelado; flujo de línea y topología de los modelos poligonales. Tipos de modelado poligonal: box modeling (armas, props, etc.), modular modeling (salones, edificios, etc.), patch modeling (vehículos, personajes, etc.).

Uso y modificación de materiales standard e inteligentes. Generación de texturas específicas para la creación de materiales únicos. Bakeado de modelos complejos para adaptar a mallas simples. Conexión de texturas Substance al motor de render de Autodesk Maya.

Técnicas de modelado escultórico: pinceles, alphas, esténciles, máscaras, etc. Niveles de detalle y resolución: subdivisiones, multiresolución, retopología, etc. Creación de modelos escultóricos de diferentes tipos y niveles de detalle con ZBrush.

Efecto de la luz sobre los objetos y su representación. Iluminación y sombras: intensidad, color, dirección, distancia, ángulo, etc. Técnicas y estilos de iluminación y sombras: realista, estilizado, dramático, etc. Introducción a motores de renderizado, Redshift y Arnold: características, ventajas y desventajas.

Características de la estructura de controladores. Modificación de la estructura poligonal mediante Blend Shapes y Huesos. Adaptación de movimientos de modelos mediante controladores y jerarquías. Creación de una jerarquía mecánica y una orgánica para la compresión del sistema.

Principios de la animación, ventajas del uso de elementos y cámaras 3D. Uso de rotoscopias y referencias para la animación 3D. Modificación de render de objetos en movimiento mediante Motion Blur y Motion Vector. Creación de ciclos de animación de objetos y cámaras para dar vida a una escena.

Creación de vídeos mediante secuencia de fotogramas. Retoque de luz y color mediante el editor de DaVinci Resolve. Adaptación del sonido a la imagen mediante modificadores y efectos en DaVinci Resolve.

Selección de piezas para un reel: análisis de elementos positivos de los trabajos; elección del orden y uso de sonido o música. Foros especializados y sugerencias sobre cómo destacar en una entrevista.

Creación de escenario exterior con elementos atmosféricos como niebla, ozono o cúmulos de nubes usando el sistema de fluidos de Maya.

Realización de escena exterior con uno o varios elementos dinámicos realizados con Nparticles, Bullet, Ncloth: desde una lluvia real hasta destrucciones o explosiones.

Creación de escenarios hiperrealistas con Speedtree, software de creación de vegetación más importante de la industria. Mediante el sistema de masas de Autodesk Maya MASH se generará un bosque realista con todo tipo de plantas y árboles.

Generación de elementos de fibra totalmente dinámicos gracias al sistema de simulación de fibras y pelo XGen: gestión de las colecciones, cacheado de las simulaciones y colisionadores para las fibras dinámicas.

Fluidos y su mecánica: desde humo y niebla hasta todo tipo de gases. Líquidos: desde la fluidez del agua hasta la viscosidad de la miel. Explosiones: análisis de nodos y modificadores de elementos pirotécnicos para crear desde la llama de una vela hasta una explosión nuclear.

Modelado de una escena interior o exterior que recopila los contenidos desarrollados a lo largo del curso.

Fundamentos de la interfaz. Navegación y manipulación de objetos: pivotes y ejes. Interpolaciones y curvas de animación: controlar el movimiento y la velocidad de los objetos para animaciones fluidas y naturales. Los 12 principios clásicos de la animación y su aplicación a diversos estilos, logrando desde exageraciones cómicas hasta movimientos realistas.

Flujos de trabajo y planificación de proyectos: de la idea al producto final -desarrollo de la idea, storyboard y previsualizaciones-. Herramientas y técnicas para asegurar coherencia y eficiencia.

Timing y spacing: fundamentos para crear la ilusión de movimiento, ajustando la velocidad y la distribución de los cuadros clave. Overlapping y moving hold: técnicas para añadir realismo y dinamismo, permitiendo que diferentes partes de un objeto o personaje se muevan a ritmos distintos. Botes de pelota: leyes de la física en animación, como la gravedad y la elasticidad. Blocking, trabajo en progreso (WIP) y refinado: etapas de desarrollo de la animación, desde la creación de poses clave hasta el ajuste de los movimientos.

Introducción a body mechanics: cambios de peso, giros y saltos. Análisis de cómo peso y fuerza afectan el movimiento y la postura, creando animaciones creíbles. Poses con personalidad: cómo utilizar postura y movimiento para expresar el carácter y las emociones de los personajes. Ciclos de movimiento básico y repetitivo: andar, correr, sneak. Técnicas avanzadas en body mechanics: overlapping en columna y brazos; moving hold en personajes bípedos; creación de movimientos fluidos y realistas, prestando atención al detalle en cada parte del cuerpo. Peso y dinámica: ejercicios avanzados para simular la física realista en las interacciones de los personajes con su entorno.

Creación de poses faciales expresivas. Lipsync: técnicas para sincronizar los movimientos de la boca de los personajes con el diálogo. Takes: captura de reacciones faciales rápidas y expresivas, añadiendo profundidad al acting del personaje. Expresión corporal y emocional: uso del cuerpo del personaje para contar historias y expresar emociones. Planificación y ejecución de secuencias de acting.

Fundamentos y técnicas de captura de movimiento: exploración de cómo la captura de movimiento puede agilizar el proceso de animación y añadir realismo. Integración del motion capture en el workflow de animación: cómo incorporar datos de captura de movimiento, desde la limpieza de datos hasta la aplicación final en personajes animados.

Personalidad y emoción a través de la pose: exploración detallada de cómo cada pose puede reflejar la personalidad única de un personaje y su estado emocional, utilizando contrastes en la línea de acción. Dinámica de peso e inercia: técnicas para representarlos de manera convincente.

El arte de la pantomima en animación: cómo comunicar historias complejas y emociones a través de la acción física sin el uso del diálogo, incluyendo la puesta en escena. Transmisión de emociones y pensamientos a través de poses.

Aplicación avanzada de los principios de animación para elevar la calidad del movimiento. Acciones secundarias y su impacto en la narrativa: usos estratégicos y equilibrio entre anticipación y acción. Ritmo, musicalidad y overlap (determinar qué parte del cuerpo lidera el movimiento).

Fundamentos de interpretación para animadoras/es. Texto, subtexto e importancia del lenguaje corporal: cómo usar el lenguaje corporal, incluyendo la expresividad de las manos y los ojos, para añadir capas de significado a la animación.

Técnicas avanzadas para animar diálogos creíbles y expresiones faciales que complementen la actuación vocal del personaje. Profundización en la animación de gestos y cómo utilizar los "takes" para reforzar las reacciones emocionales.

Análisis de las etapas de producción de un proyecto de animación, desde la planificación y la referencia de vídeo hasta el blocking y el refinado. Estrategias para incorporar feedback constructivo y técnicas para la animación efectiva en escenas con múltiples personajes, incluyendo consideraciones sobre coreografía y cámara.

Integración de la captura de movimiento en el flujo de trabajo para adaptar la acción a diferentes estilos (del cartoon al realismo).

Creación de una secuencia animada completa, cohesiva y de calidad, en pequeños grupos.